Es ist Nachmittag in Omaha. Heißt: später Abend in Deutschland. Einen früheren Termin mit Conor Oberst gibt es nicht. Aber auch um 15 Uhr Ortszeit sieht der Chef von Bright Eyes zerzaust und dezent verschlafen aus. Ein Stirnband macht es nicht besser. Der ehemalige Posterboy der Emo’n’Indiefolk-Szene sieht ein wenig wie ein Has-been aus einer Sitcom aus. Aber man sollte sich nicht täuschen: Sobald es darum geht, das neue Album “Five Dice, All Threes” zu besprechen, wirkt Oberst hellwach und auskunftsfreudig. Zumal er voller Stolz berichten kann, dass es ihm, einem Musikfan, gelungen ist, zwei seiner Idole für die Platte zu gewinnen. Die Abmachung mit Cat Power und Matt Berninger: „Ihr singt- und wir machen damit, was wir wollen.“ Auf den ersten Blick kein guter Deal. Auf den zweiten Blick zählen die Beiträge der beiden zu den Höhepunkten eines Albums, auf dem Bright Eyes auf bewährte Traditionen setzen und ein paar neue Wege gehen. Was vor allem auffällt: “Five Dice, All Threes” klingt stellenweise nach guter Laune. Was ist denn da passiert?

Conor, stimmt mein Eindruck, dass “Five Dice, All Threes” die optimistischste Bright-Eyes-Platte aller Zeiten ist?

Conor Oberst: Ich denke nicht, dass die Inhalte der Songs optimistischer sind. Aber wir wollten Musik aufnehmen, die ein wenig unmittelbarer klingt. Die mehr – in Ermangelung eines besseren Wortes sage ich es jetzt einfach mal so – Pop ist. Das Album davor, “Down In The Weeds, Where The World Once Was”, hatten wir sehr groß angelegt. Nate Walcott, der bei uns für die Arrangements zuständig ist, hatte zum Beispiel eine Menge Parts für Orchester erarbeitet. Das war toll, aber aus dem Gesamtsound ergab sich eine gewisse Distanz. Diese wollten wir nun wieder auflösen. Was, so sehe ich es zumindest, eine Art Rückkehr zu den Wurzeln der Musik ist, die ich gemacht habe, als ich in der High School war. Art-Pop-Punk, Indierock, wie auch immer man das nennen will. Einfache Songs, geradlinig, simple Akkorde, Melodien und Hooks.

»Man könnte meinen Optimismus auch Blauäugigkeit nennen. Oder pure Idiotie.«

Conor Oberst

Gab es von Beginn an ein Konzept, nach dem Motto: „Lasst uns die neue Platte wie früher klingen lassen?“
Nein. Ich weiß, es wäre schön, so etwas zu hören, dass wir uns als Band an einen Tisch setzen, ein Diagramm vorbereiten und beschließen, wie das neue Album klingen soll. Aber so es ist nicht. Es ist viel simpler, viel kitschiger: Wir folgen einfach unserem Herzen. Unserem Bauchgefühl. Wir tun, was sich gut anfühlt. Und in diesem Fall fühlte es sich gut an, als das Album in eine einfachere, räumlichere Richtung ging.

Wie hast du mit deinen Texten darauf reagiert?
Ich habe versucht, sparsam zu sein. In dem Sinne, dass ich nicht jede Strophe mit zu vielen Worten vollstopfen wollte. Keine überflüssigen Sachen – das war eine Art Dogma. Der Song sollte der Star der Show sein. Weil ich glaube, dass viele Leute viel mehr an guten Liedern interessiert sind als an ausgeklügelten Arrangements oder wortgewaltigen Sängern, die die Zeilen nur so raushauen. Die Idee war, kurz und bündig zu arbeiten, sich auf das Wesent­liche zu beschränken.

Woran es nicht fehlt: an Störelementen. Zum Beispiel an kurzen Samples aus Filmen, Sprachnachrichten und sonstigen Audioquellen. Warum ist das so wichtig für dich?

Wir beginnen unsere Platten ja immer mit einer Soundcollage. Das hat bei uns Tradition. Ich mag das, weil mich solche Sachen zur Musik zurückbringen, die ich in meiner Highschool-Zeit gehört habe. Den Wu-Tang Clan zum Beispiel, mit all den schrägen Filmsamples, die auf deren Platten zum Einsatz kamen. Gerade bei den alten Filmsamples, die wir nutzen, ergibt sich ein schönes Gefühl der Nostalgie. Du kennst doch sicher den Moment, wenn du herumzappst und plötzlich bei einem Film aus den 50ern oder 60ern hängenbleibst. Wie die Leute reden, aber auch, wie das klingt – das hat etwas Beruhigendes, finde ich. Wir versuchen das, mit unseren Collagen und Samples nachzuahmen.

Wie findet ihr denn diese Schnipsel?

Okay, ich verrate dir ein Geheimnis: Wir haben jemanden eingestellt, der das für uns übernimmt. Nämlich Stella, die Tochter unseres Bright-Eyes-Mitglieds Mike Mogis. Wir haben ihr den Job gegeben, das Internet zu durchforsten und nach Public-Domain-Seiten zu suchen, bei denen man sich solche Schnipsel herunterladen und sie nutzen kann, ohne dafür zu bezahlen. Sie hat viel Zeit investiert, aber wir haben sie fair dafür bezahlt. Und ich habe sie gebrieft. Interessiert war ich für dieses Album an alten Western-Clips oder Schnipsel aus Gangsterfilmen. Ich wollte Sequenzen, in denen sich Leute sehr emotional streiten. Um Geld. Oder darum, ob jemand beim Glücksspiel betrogen hat oder nicht.

Es müsste eine neue Kategorie bei den Grammys geben: beste Recherche-Arbeit.

(lacht) Stella würde ihn gewinnen, ganz klar!

Auf dem Album machen ein paar interessante Gäste mit, etwa Matt Berninger von The National bei “The Time I Have Left”. Ihr beide singt wie aus dem Nichts einen sehr lebensbejahenden „Sha-la-la“-Refrain. Ungewöhnlich für einen Song, der sich sehr konkret mit dem Sterben beschäftigt.

So klingt die Euphorie vor dem Zusammenbruch! Ich kenne Matt schon lange, liebe seine Band, schätze ihn als sehr freundlichen Menschen. Als ich diesen Song schrieb, konnte ich schon beim Komponieren seine Stimme hören. Ich schickte ihm eine Textnachricht: „Hey, ich habe hier einen Song, bei dem ich dich höre. Willst du darauf singen?“ Er erhielt das Stück, war begeistert – und hat es einfach gemacht. Ehrlich gesagt war ich sehr froh, als ich hörte, wie er es tat. Nämlich mit viel Überschwang und Verzweiflung in seiner Stimme. Wie schon erwähnt, ich mag The National sehr. Aber manchmal vermisse ich die Art, wie Matt auf Alben wie “Boxer” oder “Alligator” gesungen hat. Oder eher: Wie er an bestimmten Stellen geschrien hat. Matt hat eine fantastische Schreistimme! Das können nicht viele, zumindest abseits der Hardcore-Welt. Vielleicht noch Frank Black von den Pixies.

“The Time I Have Left” wird auch davon geprägt, dass die Stimmen verfremdet werden, sodass man den Gefühlen, die der Song vermittelt, nicht recht traut. Was steckt dahinter?

Das Lied vermittelt die Stimmung, dass dir etwas entgleitet. Dazu passten diese Effekte sehr gut. Sie stammen von einem guten Freund von mir, Eric Barber, der sich E. Babbs nennt. Er ist einer der wenigen echten DJs und HipHop-Produzenten in Omaha, die tatsächlich noch Platten scratchen. Es gibt diesen einen Rapper aus Omaha, Mars Black, und E-Babbs ist so etwas wie seine rechte Hand. Engagiert haben wir ihn, damit er mit seinen Mitteln diesen Folksong scratcht. Wir gaben ihm dafür die Datei, die nur die Tonspur von Matts Stimme enthielt. Dann hat er angefangen, sie wie ein altes Stück Soul-Vinyl zu bearbeiten. Wir hatten keine Ahnung, ob das funktioniert. Es ist eine gewagte Idee, weil man das Risiko eingeht, die Gesangsstimme von Matt Berninger zu ruinieren. Und das will man nicht. Aber ich finde, es hat fantastisch funktioniert.

Stimmt der Eindruck, dass Bright Eyes mehr und mehr eine Band sind, deren Musik in sehr unterschiedlichen Kosmen entsteht? In Archiven von alten Film-Aufnahmen, Scratching-Anlagen von HipHop-DJs…

So war es schon immer! Für mich war Bright Eyes von Beginn an eher ein Studioprojekt, keine Band, die sich im Proberaum trifft und jammt. Nicht, dass ich das nicht auch gemacht hätte. Mit der Mystic Valley Band zum Beispiel: Manche Leute bezeichnen das Album “Outer South” von 2009 bis heute als eine Soloplatte von mir, aber das könnte falscher nicht sein. Das war damals eine echte Bandplatte, an der übrigens auch Nate Walcott beteiligt war. Aber bei Bright Eyes geht es eben nicht darum, als Band zusammenzuspielen. Die Musik zu unseren Songs entsteht im Studio, in dem wir jede Kleinigkeit sezieren, in dem Mike und Nate ihre Magie einfließen lassen, um aus coolen Songs noch coolere Tracks zu machen. Insofern besteht Bright Eyes im Kern aus vier Figuren: Mike, Nate, ich – dazu das Studio als eine eigene Entität.

Wie geht ihr es an, diese Studiomusik für die Live-Shows in Bühnenmusik umzuwandeln?

Das ist ein interessanter, aber auch kniffliger Teil unserer Arbeit. Manchmal klappt das sofort gut, manchmal nicht so sehr. Was dazu führt, dass wir bestimmte neue Songs zunächst nicht live spielen, auch wenn wir es sehr gerne tun würden. Eine Setlist von Bright Eyes besteht also nicht aus den Liedern, die wir von den Platten am besten finden – sondern aus denen, die wir zufriedenstellend transferieren konnten. Aber wir werden besser darin. Die Liveband ist unglaublich gut. Wir merken mittlerweile: Wo ein Wille ist, ist auch ein Weg.

Du hast eben vom Studio als viertem „Mitglied“ gesprochen. Sind die Gäste in dem Moment, wenn sie performen, auch Teil der Band? Als fünftes Element?

Oh, ich wünsche es mir! Und oft genug fühlt es sich so an, ja. Was ein super Privileg ist, denn plötzlich haben wir Matt Berninger bei Bright Eyes dabei. Oder Chan Marshall!

Sie ist als Cat Power beim Song All Threes zu hören.

Ich kenne Chan seit 25 Jahren. (stockt kurz) Unfassbar, 25 Jahre, das ist eine Ewigkeit. Sie ist fraglos eine meiner Heldinnen. Ich liebe ihre Musik. Seit ich 15 Jahre alt bin, bin ich in sie verknallt. Sie ist die Coolste! Um sie zu gewinnen, bin ich ähnlich vorvergangen wie bei Matt. Das ist meine Masche, verstehst du? Ich sage berühmten Leuten: „Hey, ich habe hier einen Song, bei dem ich dich höre.“ Ich schickte Chan also diesen Song. Sie lebt in Miami und nahm dort einen Haufen Spuren auf. Dann schickte sie uns den Track zurück. Die Abmachung lautete: Wir nutzen alles, was du uns aufgenommen hast, so, wie wir denken, dass es gut ist. Wir löschen ein paar Dinge, setzen es neu zusammen – und du hast am Ende nicht das Recht auf eine Endkontrolle. Kein guter Deal eigentlich, aber sie fand das interessant, vertraute darauf, dass wir es gut hinbekommen. Was natürlich eine Ehre für uns war.

Das Stück klingt wie kein anderes von Bright Eyes: lässig, jazzig.

Als wir das Stück arrangierten, dachte ich: Das ist eine echte Herausforderung. Der Song hat mehr Raum, was sich sehr neu und erfrischend anfühlte. Wobei ich bei Musik dieser Art komplett von Mike und Nate abhängig bin. Ohne ihr Verständnis für Harmonien wäre ich an dieser Stelle komplett aufgeschmissen. Ich weiß nur, wie man ein C- und einen G-Akkord spielt. Manchmal ist das alles, was man braucht, um einen Haufen Scheiß zu spielen. Aber wenn Chan als Sängerin dabei ist, dann braucht es mehr als nur Scheiß. Danngeht es in eine Welt der gebrochenen Akkorde, in der ich mich nicht auskenne.

Der Song “All Threes” nimmt Bezug auf den Albumtitel “Five Dice, All Threes”: Ein Würfelspiel, das man gewinnt, wenn man mit fünf Würfeln fünf Dreien wirft. Andererseits steht die Drei für den Durchschnitt. Ist das die Botschaft: Es gewinnt, wer ein normales Leben führt?

Du bist die erste Person, die das so interpretiert. Ich werde das ab jetzt immer so erklären, ich hoffe, das ist okay? Meine Metapher ist einfacher: “All Threes” ist ein Glücksspiel, das die Leute in New York in den Gassen spielen und dabei Geld setzen. In der Hoffnung, zu gewinnen und in der Annahme, zu verlieren. Aber der Hoffnungsschimmer bleibt: Irgendwann kommen die fünf Dreien! Und ich finde, das ist eine ganz gute Zusammenfassung unseres Lebens: Ein Glücksspiel, das man verliert – aber immer guten Glaubens ist, es doch gewinnen zu können. Wobei das schnelle Ende immer eine Möglichkeit ist. Da muss nur einmal ein Idiot im Auto nicht aufpassen, und schon fährt er dich über den Haufen. Selbst, wenn du brav auf dem Bürgersteig läufst. Das Risiko ist uns allen bewusst, und trotzdem sind wir optimistisch, dass das nicht passieren wird.

Würdest du dich als Optimisten bezeichnen?

Sagen wir so, ich habe schon viel Geld bei All Threes verloren, spiele aber trotzdem weiter. Wissend, dass die Gewinnchance kaum höher als bei null Prozent liegt. Man könnte meinen Optimismus in dieser Sache auch Blauäugigkeit nennen. Oder pure Idiotie.